10 nhà soạn nhạc cổ điển vĩ đại nhất mọi thời đại

Giống như các tác phẩm điêu khắc Hy Lạp hay các bức tranh thời Phục hưng, âm nhạc cổ điển đã đứng trước thử thách của thời gian. Các sáng tác được viết cách đây vài thế kỷ đang được phát với tần suất ngang bằng nếu không muốn nói là lớn hơn ngày nay so với lần đầu tiên chúng được trình diễn. Các nhà soạn nhạc nổi tiếng nhất – Mozart, Bach và Beethoven – đã có được sự hiện diện gần như khắp nơi trên thế giới; ngay cả khi bạn không biết gì về những người này, bạn chắc chắn đã nghe nhạc của họ.

Để tìm ra điều gì làm cho âm nhạc cổ điển trở nên hấp dẫn, trước tiên bạn phải xác định nó là gì. Như nhà soạn nhạc và nhà giáo dục âm nhạc Angus Davison đã chỉ ra trong một bài đăng trên blog, nhiều phẩm chất và đặc điểm mà chúng ta có xu hướng liên tưởng đến âm nhạc cổ điển không thực sự phù hợp khi bạn so sánh một nhà soạn nhạc này với một nhà soạn nhạc khác. Một số người nói rằng đó là tất cả về nhịp điệu và hòa âm, nhưng về mặt này Mozart có nhiều điểm chung với nhạc pop hiện đại hơn những người cùng thời với ông.

Những người khác thích tập trung vào thiết bị đo đạc. Dàn nhạc cổ điển chủ yếu bao gồm các nhạc cụ cổ điển như piano, cello, vĩ cầm, kèn trumpet và tubas. Tuy nhiên, đó chỉ là những hạn chế của thời đại mà các nhạc sĩ sống, không phải là phong cách mà họ làm việc; chẳng hạn như nhà soạn nhạc sống Steve Reich đã kết hợp guitar điện và các âm thanh điện tử khác vào âm nhạc của mình, thứ vẫn được người nghe công nhận là cổ điển không thể nhầm lẫn.

“Điểm chung của tất cả âm nhạc cổ điển”, Davison kết luận, “là một thứ gì đó vô hình, bản chất hơn bất cứ thứ gì khác: một tập hợp các giá trị”. Những giá trị này là “xuất sắc” và “trải nghiệm”. Xuất sắc, bởi vì các nhà soạn nhạc cổ điển thể hiện kỹ thuật vô song. Trải nghiệm, bởi vì họ biết – như Arthur Schopenhauer đã từng nói – rằng âm nhạc có tiềm năng trở thành hiện thân trực tiếp của trải nghiệm con người. Khi họ sáng tác, mục đích cao nhất của họ là nhận ra tiềm năng đó.

Hàng trăm nhạc sĩ đã thành công rực rỡ để làm được điều đó. Dưới đây, độc giả sẽ tìm thấy tổng quan về 10 nhà soạn nhạc cổ điển vĩ đại nhất mọi thời đại. Đây hoàn toàn không phải là một thứ hạng nhất định. Thay vào đó, nó là sự kết hợp của nhiều danh sách internet khác nhau được lập bởi các nguồn có thẩm quyền như blog âm nhạc và đài phát thanh, chưa kể đến các ấn phẩm như The New York Times và BBC Music Magazine, đã thăm dò ý kiến ​​của 174 nhà soạn nhạc hàng đầu thế giới.

Thứ hạng vốn đã hấp dẫn, nhưng chúng cũng có thể gây tranh cãi. Khi bộ phim tiểu sử Amadeus minh họa quá thành công, nỗi ám ảnh quá mức chính đáng nhưng phải thừa nhận của chúng ta đối với những thiên tài như Mozart đã chuyển hướng chú ý khỏi những nhạc sĩ khác, thú vị không kém, như đối thủ xấu số của thần đồng Antonio Salieri, hoặc Saint Hildegard, một viện trưởng thời trung cổ và đa đạo cho các đơn âm thiêng liêng của cô ấy. Họ không xuất hiện trong danh sách này, nhưng xứng đáng được lắng nghe như nhau.

10. Johannes Brahms

Brahms thường xuyên xuất hiện trên các chương trình hòa nhạc. Do đó, tính kỹ thuật trong các sáng tác của ông thường bị coi là đương nhiên, trong khi các khía cạnh mang tính cách mạng của chúng thường bị bỏ qua. Người nghe thích gọi âm nhạc của ông ấy là học thuật, nhưng nó cũng có thể mang tính cá nhân sâu sắc. Theo nhà viết tiểu sử Karl Geiringer, Brahms ‘String Sextet số 2 có thể được đọc như một kỷ niệm về lễ đính hôn của ông với Agathe von Siebold, người mà Brahms đã chia tay vì sự bất an của chính mình.

Nhà âm nhạc học Alfred Einstein giải thích trong cuốn sách của mình, Âm nhạc trong Kỷ nguyên Lãng mạn: “Các chính trị gia âm nhạc thời chúng ta gọi Brahms là phản động. “Những người khác nói rằng Brahms thực tế chứng minh rằng trong các hình thức Cổ điển vẫn có thể nói một điều gì đó mới mẻ. Không phải vẫn còn, nhưng luôn luôn – miễn là âm nhạc của chúng tôi vẫn còn, đây sẽ là tình huống. Vì những hình thức này bắt nguồn từ bản chất bên trong của âm nhạc này, và trong đường nét của chúng không thể được hình thành hoàn hảo hơn”.

9. Richard Wagner

Nhà soạn nhạc người Đức Richard Wagner (1813-1883) bị mê hoặc bởi những câu chuyện thần thoại và truyền thuyết. Các vở opera của ông được thiết kế để thể hiện quy mô sử thi và tinh thần sống động hơn của những câu chuyện mà họ dựa trên. Để làm được điều này, Wagner đã tăng cả quy mô dàn nhạc của mình cũng như thời lượng buổi biểu diễn của họ. Magnum opus của ông ấy, The Ring of the Nibelung, được dàn dựng trong bốn buổi tối riêng biệt, tạo nên thời lượng tổng hợp là 16 giờ.

Wagner đã phát minh ra và phổ biến khái niệm gesamtkunstwerk. Đôi khi được dịch là “sự tổng hợp của nghệ thuật”, gesamtkunstwerk là một tác phẩm nghệ thuật trong đó nhiều phương tiện kết hợp để tạo ra một tổng thể tuyệt vời hơn với một hiệu ứng riêng. Để đạt được điều đó, nhạc opera của Wagner đã sử dụng leitmotifs: những ý tưởng du dương liên quan đến các nhân vật hoặc đồ vật cụ thể. Bằng cách này, cả âm nhạc và văn bản đều đóng vai trò tường thuật.

Bên ngoài thế giới âm nhạc, Wagner được biết đến nhiều nhất với sự tôn thờ mà ông nhận được từ nhà độc tài người Đức Adolf Hitler, và nhiều học giả đã rút ra điểm tương đồng giữa nỗi ám ảnh của hai người đàn ông về tổ chức và hòa hợp. Vẫn có sự đồng thuận quan trọng là thiên tài sáng tạo của Wagner đã thoát khỏi cái bóng độc tài toàn trị tiềm ẩn của nó. Martin Kettle viết cho The Guardian: “Ở Wagner”, ý tưởng được tiếp tục và trong âm nhạc, không thể tách rời khỏi bộ phim”.

8. Franz Schubert

Franz Schubert sinh năm 1797 tại Vienna và mất năm 1828 ở tuổi 31 sau khi mắc bệnh sốt thương hàn hoặc có thể là bệnh giang mai. Việc ông ấy lọt vào danh sách này ở vị trí cao bất chấp cái chết sớm của ông là minh chứng cho tài năng với tư cách là một nhà soạn nhạc. Schubert là một người bẩm sinh, có lẽ còn hơn cả Mozart, sáng tác những giai điệu phức tạp về mặt kỹ thuật và thuần thục về mặt nghệ thuật ở độ tuổi mà hầu hết các nhạc sĩ khác chỉ mới bắt đầu nắm được những kiến ​​thức cơ bản về lý thuyết âm nhạc.

Schubert, người dẫn chương trình phát thanh cổ điển Gregg Whiteside đã thốt lên rằng “là người đầu tiên và là nhạc sĩ vĩ đại nhất trong lịch sử. 615 bài hát của ông đại diện cho một dòng chảy của giai điệu không bị ảnh hưởng, và dòng chảy đen tối của tâm hồn, không có gì so sánh được trong lịch sử âm nhạc”. Có lẽ lời khen lớn nhất đến từ Beethoven, người, trong những năm cuối đời khi bị căn bệnh hiểm nghèo ập đến, đã nói rằng “Schubert sở hữu ngọn lửa thần thánh” và rằng ông có “linh hồn” của mình.

7. Pyotr Ilyich Tchaikovsky

Nhà soạn nhạc người Nga Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893) đã nổi tiếng quốc tế với vở ballet Hồ thiên nga và Kẹp hạt dẻ. Trong các vòng tròn nhỏ hơn, ông cũng được nhớ đến với vở opera Eugene Onegin, dựa trên tiểu thuyết cùng tên của Alexander Pushkin. Tchaikovsky đã thành công mặc dù thực tế là Nga không có hệ thống giáo dục âm nhạc. Khi ông vào Nhạc viện Saint Petersburg vào đầu những năm 1860, học viện này mới chỉ mở cửa.

Âm nhạc của Tchaikovsky giống với tính cách của ông: cả hai đều tinh tế và rất nhạy cảm. Cảm thấy bất ngờ trước những người Nga khác vì sở thích âm nhạc và xóa bỏ đồng tính luyến ái, nhà soạn nhạc đã nhìn về hướng Tây để tìm cảm hứng. Bị kẹt giữa hai thế giới khác nhau, âm nhạc của ông ấy bị chỉ trích từ cả hai phía, và trong phần lớn sự nghiệp của mình, ông ấy tránh chỉ huy dàn nhạc vì sợ rằng đầu ông có thể rơi ra khỏi cơ thể mình trong khi biểu diễn.

Kiến thức về nỗi khổ bên trong của Tchaikovsky tạo thêm chiều sâu cho âm nhạc vốn đã hấp dẫn của ông. Sau khi vật lộn để tìm việc làm, cuối cùng nhà soạn nhạc đã gặp phải sự bảo trợ tận tụy là nữ doanh nhân người Nga Nadezhda Filaretovna von Meck. Mặc dù trả tiền cho Tchaikovsky một cách hoàng gia, cả hai chưa bao giờ gặp nhau bằng xương bằng thịt. “Bạn sợ rằng bạn sẽ không tìm thấy ở tôi những phẩm chất lý tưởng mà trí tưởng tượng của bạn đã gán cho tôi,” nhà soạn nhạc viết trong một bức thư, “và bạn hoàn toàn đúng”.

6. Claude Debussy

Nhiều người coi nhà soạn nhạc người Pháp Claude Debussy (1862-1918) là nhà soạn nhạc theo trường phái Ấn tượng đầu tiên và có ảnh hưởng nhất. Bản thân Debussy không thích thuật ngữ này và khẳng định rằng công việc của mình không tuân theo quy tắc nào ngoài “sự thích thú” hay niềm vui của riêng mình. Tuy nhiên, người ta có thể xác định nhiều điểm tương đồng giữa các sáng tác của ông và các phong trào nghệ thuật thị giác mà chúng được so sánh theo thói quen, bao gồm tính tự phát và việc sử dụng cá tính thường xuyên.

So với những sáng tác bài bản và có độ trau chuốt cao của Brahms hay Wagner, âm nhạc của Debussy dường như thiếu khuôn mẫu và hình thức. Các tác phẩm nghe gần như chưa hoàn thành, giống như những bản phác thảo rời rạc đã bị xóa đi một phần. Các nốt nhạc được tập hợp không phải trên trang tính, mà là trong tai và bộ não của người nghe. Giáo viên dạy piano Stephanie Mccallum giải thích trong The Conversation, việc nhà soạn nhạc sử dụng “sự hài hòa và kết cấu”, “gợi lại ánh sáng và màu sắc của bức tranh theo trường phái Ấn tượng”.

5. Frédéric Chopin

Di sản của nhà soạn nhạc người Ba Lan Frédéric Chopin (1810-1849) rất ấn tượng vì một số lý do. Trong 30 năm Chopin dành để sản xuất âm nhạc đẳng cấp thế giới, ông chỉ biểu diễn trước công chúng 30 lần. Trên hết, ông ấy hầu như chỉ giới hạn bản thân chỉ với piano. Sự tận tâm kỳ lạ của ông đối với bàn phím đã được đền đáp. Hơn bất kỳ nhạc sĩ nào khác, Chopin đã thể hiện sự đa dạng của những cảm xúc mà nhạc cụ này có thể gợi lên.

Theo nhà báo Ted Libbey của NPR, “Chopin đã loại bỏ những điều bình thường khỏi âm nhạc của mình và mở ra cánh cửa cho một sự mơ hồ về cảm xúc tiếp tục gây tò mò cho người nghe – một thứ mà cách giao tiếp đòi hỏi sự tinh tế trong thực hiện mà các thế hệ nghệ sĩ piano đã nỗ lực hết mình để đạt được. Những kết cấu rực rỡ và giai điệu ám ảnh mà ông ấy sử dụng để thể hiện suy nghĩ của mình đã thêm vào âm thanh của cây đàn piano và dải màu sắc mà không ai trước ông ấy tưởng tượng đã có ở đó”.

4. Igor Stravinsky

Igor Stravinsky sống từ năm 1882 đến năm 1971. Sinh ra ở Saint Petersburg, sau đó ông di cư sang Pháp, sau đó là Hoa Kỳ. Cha ông, một ca sĩ bass tại Nhà hát Mariinsky, mong ông trở thành một công chức. Stravinsky đăng ký một thời gian ngắn vào trường luật, chỉ để cuối cùng theo đuổi sự nghiệp âm nhạc. Ông tiếp tục sáng tác ballet và nhạc kịch, và đi vào lịch sử với tư cách là một trong những nhạc sĩ có ảnh hưởng nhất thế kỷ 20.

Điểm mạnh nhất của Stravinsky có lẽ là sự linh hoạt của ông. Trong những năm đầu tiên của mình, ông đã khám phá nhiều phong cách khác nhau. Ông có sở trường phát triển các hoán vị của các họa tiết của mình, thêm hoặc bớt các nốt nhạc với bất kể thay đổi nào. Mark-Anthony Turnage nhận xét trong cuộc thăm dò của Tạp chí Âm nhạc của BBC, đưa Stravinsky lên vị trí số 2: “Anh ấy ở đó trong cuộc đời tôi với tư cách là một nhà soạn nhạc”, dù không bao giờ có sự hiện diện áp đảo, song luôn táo tợn và khích lệ”.

Trong cùng một cuộc thăm dò, Edward Gregson nói thêm rằng The Rite of Spring của Stravisnky “đã được chứng minh là sự ra đời thực sự của chủ nghĩa hiện đại (…) chứ không phải giống như Picasso, Stravinsky liên tục sáng tạo lại bản thân và ngôn ngữ âm nhạc của mình, mặc dù phong cách của ông vẫn không đổi – 12- giai điệu âm nhạc giống như Stravinskian như bất kỳ tác phẩm nào trước đây của ông ấy. Không có nhiều nhà soạn nhạc từ đó không bị ảnh hưởng bởi trí tưởng tượng sáng tạo của ông. Ông ấy là cha đỡ đầu của âm nhạc thế kỷ 20”.

3. Wolfgang Amadeus Mozart

Sinh ra trong một gia đình âm nhạc ở Salzburg, Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) nhận được hai nguồn lực có ích khi bạn muốn trở thành một nhạc sĩ vĩ đại: tiếp cận với khóa đào tạo âm nhạc chuyên sâu và tài năng thiên bẩm. Tất cả những thứ đó ông đều nhận được từ cha mẹ mình, giảng viên âm nhạc Leopold Mozart và vợ Anna Maria. Là một thần đồng, Mozart có thể đọc và viết nhạc trước khi lên năm tuổi, tạo ra tác phẩm ngang ngửa với các chuyên gia người lớn.

Những người gán cho thiên tài Mozart về tai nạn sinh ra của ông không công nhận rằng ông là một học sinh phi thường, học tập những người đi trước với sự siêng năng đã giúp ông sáng tác tới 600 tác phẩm trong suốt cuộc đời ngắn ngủi của mình. Mức độ tài năng của Mozart được giải thích rõ nhất qua những lời khen ngợi mà ông nhận được từ những người khổng lồ khác. Trên giường bệnh, Chopin yêu cầu “chơi Mozart để tưởng nhớ tôi”. Nhà soạn nhạc Aaron Copland đã đi xa hơn khi nói rằng ông “khai thác nguồn mà tất cả âm nhạc chảy từ đó”.

2. Ludwig van Beethoven

Nhà soạn nhạc người Đức Ludwig van Beethoven (1770-1827) không chỉ được biết đến với âm nhạc mà ông đã tạo ra mà còn vì tình trạng bệnh tật đã gây ra và truyền cảm hứng cho ông. Beethoven bắt đầu bị điếc vào khoảng năm 1800. Khi một số dạng điếc ảnh hưởng đến chất lượng âm thanh, khiến một số tiếng ồn trở nên không thể phân biệt được hoặc bị biến dạng, những rắc rối của Beethoven hoàn toàn liên quan đến âm lượng: miễn là âm nhạc đủ lớn, ông vẫn có thể nghe thấy.

Điều này giúp giải thích ấn tượng khoa trương đặc trưng cho tác phẩm sau này của Beethoven. Nhà soạn nhạc, một bài đăng trên blog giải thích, đã thu hẹp khoảng cách giữa thời kỳ Cổ điển và Lãng mạn. Nơi mà các nhạc sĩ cổ điển sáng tác âm nhạc phải được sản xuất và trải nghiệm trong môi trường chân không, âm nhạc lãng mạn tìm cách chạm vào một thứ khác ngoài âm thanh. Nó phải gợi lên tâm trạng và truyền tải câu chuyện. Nó phải dẫn dắt cảm xúc của con người một cách rõ ràng.

Âm nhạc của Beethoven, cùng một bài đăng trên blog tiếp tục khẳng định, “kém thông minh về mặt trí tuệ (hoặc ít nhất, về mặt toán học) bằng Bach và kém hoàn hảo về âm nhạc hơn Mozart nhưng có lẽ khi suy ngẫm về những năm tháng cô đơn không có gì ngoài chiếc máy hát để bạn luôn đồng hành, một người quay lại đến âm nhạc khuấy động tâm hồn và tràn ngập niềm đam mê để xé bỏ bạn khỏi vùng đất có cây cọ và cát để đến vùng nông thôn của Áo và ánh trăng trên Hồ Lucerne”.

1. Johann Sebastian Bach

Mặc dù một số ít danh sách trên internet đặt Mozart và Beethoven ở vị trí hàng đầu, nhưng đại đa số đều thừa nhận Johann Sebastian Bach là nhà soạn nhạc cổ điển vĩ đại nhất mọi thời đại. Nhạc sĩ người Đức, sống từ năm 1685 đến năm 1750, xuất thân từ một gia đình nhạc sĩ chuyên nghiệp và đã dành phần lớn sự nghiệp của mình để chơi cho các nhà thờ Tin lành và tòa án hoàng gia ở miền Trung nước Đức. Chuyên môn của ông là nhạc thính phòng: nhạc nền phù hợp với cung điện và phòng vẽ.

Ông không chỉ là một nhà soạn nhạc tỉ mỉ mà còn là một sinh viên âm nhạc không mệt mỏi. Deborah LeFer viết trong một bức thư ngỏ cho tạp chí Slate: “Bach có thể đã bị coi là lỗi thời không lâu sau khi ông qua đời”, nhưng kể từ khi Mendelssohn hồi sinh, chúng ta thấy rằng Bach có thể chơi trên bất kỳ nhạc cụ nào và giai điệu của ông vẫn còn phù hợp về mặt văn hóa đến nỗi các nhạc sĩ đương đại đã sử dụng lại chúng nhiều lần trong suốt nhiều thế kỷ kể từ khi ông qua đời”.

Không Ngộ

Theo BigThink