Tìm

Sức mạnh thầm lặng của những bản nhạc phim

  • 26/02/2022 03:29
Ebiz - Nhạc phim không chỉ giúp chúng ta nhớ lại cốt truyện của một bộ phim; chúng cũng cho phép chúng ta hiểu rõ hơn ý nghĩa của nó.

Nhiều bộ phim (và thậm chí cả trò chơi điện tử) ghi lại âm nhạc của họ bằng dàn nhạc sống (Nguồn: DemirezerBaris/Wikipedia)

Âm nhạc là một khía cạnh quan trọng nhưng thường không được đánh giá cao trong quá trình làm phim. Theo một bài báo từ năm 2001 được xuất bản trên tạp chí học thuật Music Perception, nghiên cứu đã chỉ ra rằng nhạc phim không chỉ củng cố tác động cảm xúc của các cảnh phim mà còn giúp chúng ta ghi nhớ chúng tốt hơn sau khi rời rạp chiếu phim.

Vì lý do này, bạn sẽ khó tìm thấy một bộ phim ăn khách nào của Hollywood không có điểm số dễ nhận biết ngay lập tức. Những người xem Jaws của Steven Spielberg sẽ dần quên tên các nhân vật và cấu trúc chính xác của cốt truyện, nhưng nhờ điểm của John Williams, họ sẽ không bao giờ quên giai điệu phát ra khi bạn sắp bị tấn công bởi một kẻ khát máu cá mập.

Nhưng làm thế nào bạn có thể đánh giá chính xác chất lượng của một bản nhạc phim? Trong một bài báo có tiêu đề “Tường thuật nhạc phim”, Claudia Gorbman, giáo sư nghiên cứu điện ảnh tại Đại học Washington Tacoma, giải thích rằng bạn không thể đánh giá nhạc phim giống như cách bạn đánh giá một bài hát hoặc một sáng tác, bởi vì những hình thức âm nhạc này được trải nghiệm trên của riêng họ.

Ngược lại, nhạc phim chỉ là một phần trong tổng thể lớn hơn. Nó hoạt động song song với các yếu tố khác, như quay phim, diễn xuất và biên tập, và nên được đánh giá phù hợp. “Cuối cùng”, Gorbman viết, “chính bối cảnh tường thuật, mối tương quan giữa âm nhạc và phần còn lại của hệ thống phim, quyết định hiệu quả của âm nhạc trong phim”.

Nhìn vào mối tương quan giữa phim và nhạc phim không chỉ giúp chúng ta hiểu rõ hơn về bản thân nhạc phim mà còn cả toàn bộ trải nghiệm điện ảnh. Nhiều đạo diễn sử dụng nhạc phim như một ngôn ngữ, chỉ là một cách khác để truyền tải ý nghĩa đến khán giả của họ. Một số người tin rằng phim là phần mở rộng của nhạc phim chứ không phải ngược lại.

Nhạc phim như ngôn ngữ

Những cách cơ bản nhất mà nhạc phim có thể được chuyển thể thành câu chuyện của một bộ phim có nguồn gốc từ opera. Trong hình thức nghệ thuật này, các nhà soạn nhạc đã sử dụng leitmotifs – chủ đề âm nhạc tái hiện xuyên suốt tác phẩm – để đại diện cho các nhân vật khi họ di chuyển qua các câu chuyện. Nếu hai nhân vật yêu nhau, leitmotifs của họ có thể kết hợp thành một. Nếu một trong số họ trải qua một sự thay đổi mạnh mẽ, điều này cũng có thể được phản ánh trong âm nhạc của họ.

Leitmotifs không nhất thiết phải được kết nối với mọi người. Chúng cũng có thể được gắn với một vị trí hoặc một ý nghĩ trừu tượng. Bộ phim Synecdoche, New York năm 2008 của Charlie Kaufman có nội dung liên quan đến khái niệm cái chết. Nhân vật chính của phim, một đạo diễn sân khấu chưa hoàn thành và mắc chứng đạo đức kinh niên tên là Caden Cotard, thường xuyên bị ám ảnh bởi cái chết của chính mình.

Leitmotif, do Jon Brion sáng tác, được phát nhất quán trong suốt bộ phim khi nhân vật chính đạt điểm thấp. Bản thân mô-típ – bốn nốt nhạc với âm độ giảm dần đều, giống như tiếng ai đó gõ cửa – củng cố khả năng của nhân vật chính trong việc vượt qua điều mà anh ta sợ nhất.





Đó là một điều để nhạc phim phản ánh không khí của một bộ phim, một điều khác cũng phản ánh câu chuyện. Nhân vật chính của Synecdoche, New York trải qua nhiều lần suy sụp tinh thần và Brion thể hiện điều này bằng nhiều loại nhạc cụ. Mỗi đoạn được phát ở tần số cao hơn và không có nhịp điệu, phản ánh sự lo lắng cộng dồn của nhân vật chính.

Một ví dụ tuyệt vời khác về nhạc nền phản ánh cốt truyện của bộ phim có thể được tìm thấy trong bộ phim Goodbye, Lenin! Được phát hành vào năm 2005 và do đạo diễn người Đức Wolfgang Becker chỉ đạo, bộ phim kể về câu chuyện của một thiếu niên Berlin nổi loạn, tên là Alex Kerner, người bị buộc phải chăm sóc cho người mẹ xã hội chủ nghĩa ốm yếu của mình sau khi Bức tường Berlin sụp đổ năm 1989.

Xuyên suốt bộ phim, cậu thiếu niên liên tục nhảy qua nhảy lại giữa hai thế giới khác nhau: thế giới bên ngoài và thế giới tồn tại bên trong phòng ngủ của mẹ cậu. Một cái đại diện cho tương lai, cái kia là quá khứ. Một bên có chủ nghĩa tư bản, bên kia có chủ nghĩa xã hội. Một cái có Pepsi và Burger King, cái kia có những căn hộ đổ nát và hình ảnh của Stalin.

Sự khác biệt giữa các thế giới này được phản ánh trong âm nhạc của bộ phim, do Yann Tiersen viết . Những âm thanh của Berlin ngày nay rất náo nhiệt và tràn đầy năng lượng, được tạo ra từ một ban nhạc dây và các nhạc cụ đồng thau – giống như các thành viên trong xã hội tư bản – phối hợp với nhau trong một sự hòa hợp không hoàn hảo nhưng hiệu quả.

Bản nhạc được phát khi cậu thiếu niên đến thăm người mẹ xã hội chủ nghĩa của mình chậm rãi, trầm lắng và đa cảm. Một nhạc cụ duy nhất – cây đàn piano – đại diện cho tinh thần thống nhất của một quốc gia cộng sản. Giai điệu buồn nhưng cũng đặc biệt đẹp, phản ánh mối quan hệ phức tạp của cậu thiếu niên với chính phủ mà cậu lớn lên, chính chính phủ mà mẹ cậu làm việc.

Hiệu ứng âm nhạc-điện ảnh của Tarkovsky

Rất ít nhà làm phim đã xử lý nhạc phim của họ một cách cẩn thận như Andrei Tarkovsky. Từ thời thơ ấu trở đi, nhà làm phim người Nga đã ấp ủ một sự ngưỡng mộ sâu sắc đối với tác phẩm của Johann Sebastian Bach, và sẽ kết hợp các tác phẩm kinh điển của nhạc sĩ trong suốt sự nghiệp của mình. Tuy nhiên, cách làm của ông khá độc đáo so với các nhà làm phim khác cùng thời.

Như James Doyle, một giảng viên triết học tại Đại học Harvard, đã tuyên bố trong một bài luận, Tarkovsky không sử dụng Bach vì ông cảm thấy rằng âm thanh sẽ tăng cường tác động cảm xúc trong các cảnh quay của ông. Thay vào đó, ông đã làm điều đó để “khai thác ý nghĩa của Bach như một nhân vật cực kỳ quan trọng trong lịch sử văn hóa phương Tây” và tạo ra một “hiệu ứng điện ảnh – âm nhạc cụ thể”.





Phần cuối cùng đó có thể yêu cầu giải thích thêm một chút. Ngay khi bắt đầu sự nghiệp làm phim, Tarkovsky đã ghi điểm cho các bộ phim của mình, giống như bất kỳ nhà làm phim nào, sử dụng các tác phẩm của dàn nhạc. Trong trường hợp của anh ấy, chúng được sáng tác bởi Vyacheslav Ovchinnikov, người nổi tiếng với việc viết nhạc cho bản chuyển thể kinh phí cao của Liên Xô từ tiểu thuyết Chiến tranh và Hòa bình của Tolstoy .

Sau đó, Florence Scott-Anderton giải thích trong một chuyên mục dành riêng cho nhạc phim và được xuất bản thông qua nền tảng phát trực tuyến độc lập MUBI, đạo diễn đã ngừng nghĩ đến âm nhạc được xếp lớp trên cảnh phim của mình và bắt đầu tìm cách đưa âm thanh vào chính bộ phim một cách hữu cơ, kết hợp các tín hiệu âm thanh và hình ảnh để tạo ra một nhịp điệu điện ảnh bao trùm.

“Andrei Tarkovsky cảm thấy âm nhạc được chấp nhận nhiều nhất trong phim khi được sử dụng như một điệp khúc trong thơ”, Scott-Anderson viết trong ấn phẩm kỹ thuật số của MUBI, The Notebook, “đưa khán giả trở lại trải nghiệm đầu tiên của họ khi bước vào thế giới thơ mộng của bộ phim; ngay lập tức vật liệu được trải nghiệm như mới và vẫn là một phần của bộ nhớ ban đầu”.

Tarkovsky càng học nhiều về âm nhạc, thì sở thích của ông càng trở nên thử nghiệm hơn. Ovchinnikov được đổi lấy Edward Artemyev, một nhà soạn nhạc người Nga khác không chuyên về dàn nhạc mà là nhạc phim điện tử. Những âm thanh vô cơ và thanh tao của Artemyev đã cung cấp bối cảnh phù hợp cho Solaris của Tarkovsky, một bộ phim lấy bối cảnh một trạm vũ trụ quay quanh một hành tinh thần kinh.

Tuy nhiên, việc sử dụng âm nhạc điện tử của Tarkovsky không chỉ giới hạn trong lĩnh vực khoa học viễn tưởng. Đạo diễn đã sử dụng lặp đi lặp lại các bản nhạc phim được tạo ra một cách máy móc trong các bộ phim như Stalker và The Mirror. Trong quá trình này, anh phát hiện ra có điều gì đó ở thể loại này bổ sung một cách độc đáo cho phong cách làm phim thơ mộng và đặc trưng của riêng anh.

“Nhạc cụ” Tarkovsky đã viết trong cuốn sách kể về nghề làm phim, Điêu khắc trong thời gian: Suy tư về điện ảnh, “mang tính nghệ thuật tự chủ đến mức khó có thể hòa nhập vào bộ phim đến mức nó trở thành một phần hữu cơ của nó (…) âm nhạc điện tử có chính xác khả năng được hấp thụ vào âm thanh”.

Ngay cả trong thời điểm phim còn im hơi lặng tiếng, các rạp chiếu đôi khi vẫn thuê dàn nhạc sống để chơi các vở nhạc kịch đi kèm với giai điệu và hành động của phim. Những dàn nhạc này đã hoàn thành một mục đích tương tự mà các nhà soạn nhạc làm ngày nay: tạo ra âm thanh để nâng cao cảm xúc vốn đã được thể hiện bằng hình ảnh. Và đôi khi, họ còn làm tốt công việc này hơn cả giám đốc.

Không Ngộ

Theo BigThink